[K라이프저니|고요비 기자] 아마데우 드 소자-카르도주(Amadeo de Souza-Cardoso, 1887~1918)는 포르투갈 미술사에서 가장 찬란하고 가장 비극적인 이름이다. 포르투갈 북부 마냐우(Manhufe) 출신의 그는 1906년 리스본 미술학교를 거쳐 파리로 건너가 당대 최첨단 예술의 중심부에 뛰어들었다. 파리에서 그는 아메데오 모딜리아니(Amedeo Modigliani), 막스 자콥(Max Jacob), 기욤 아폴리네르(Guillaume Apollinaire)와 교류했으며, 입체주의(Cubism), 오르피즘(Orphism), 표현주의(Expressionism), 미래주의(Futurism) 등 당시 유럽을 휩쓸던 모든 전위 예술 운동을 빠르게 흡수하고 자신만의 언어로 재창조했다.

그는 1911년 파리의 앵데팡당 살롱(Salon des Indépendants)에 참가했고, 1913년에는 뉴욕 아모리 쇼(Armory Show)에도 작품을 출품했다. 아모리 쇼는 유럽 현대미술을 미국에 처음 본격적으로 소개한 역사적 전시로, 소자-카르도주는 피카소, 마티스, 뒤샹과 나란히 이름을 올렸다. 그러나 그는 30세의 나이에 스페인 독감으로 세상을 떠났고, 포르투갈 미술사 바깥에서는 오랫동안 잊혀진 이름으로 남았다.

악기들이 춤추는 캔버스 

1916년작 'The Life of Instruments(악기들의 삶)'는 소자-카르도주의 원숙기를 대표하는 작품이다. 화면은 노랑, 빨강, 파랑, 초록, 보라가 충돌하고 공명하는 강렬한 색채의 장이다. 기하학적으로 분해된 형태들이 화면 전체를 가득 채우는데, 중앙에 자리한 황금빛 기타의 형태가 입체주의적 방식으로 해체되어 있으며, 좌측의 수직 줄무늬, 악기의 공명통을 암시하는 원형 모티프들, 그리고 중첩된 색면들이 리드미컬한 긴장감을 만들어낸다.

화면 왼편의 붉고 흰 수직 줄무늬는 음악의 박자처럼 규칙적이면서도, 그 옆에서 기울어진 사각형과 불규칙한 색면들과 충돌하며 시각적 불협화음을 일으킨다. 이 불협화음 자체가 음악의 메타포다. 단순히 악기를 그린 것이 아니라 음악이 만들어내는 진동, 에너지, 생명력을 시각적으로 번역한 것이다.

소자-카르도주의 화법은 피카소의 분석적 입체주의보다 훨씬 색채가 풍부하고 감각적이며, 로베르 들로네(Robert Delaunay)의 오르피즘적 색채 이론과 독일 표현주의의 감정적 직접성을 결합한 독자적 영역에 있다. 그의 붓질은 자유롭고 대담하며, 형태를 해체하면서도 어딘가 충만한 에너지를 놓치지 않는다.

그림의 가치와 미술사적 의미

이 작품은 단순한 큐비즘 정물화가 아니다. 소자-카르도주는 악기라는 소재를 통해 '소리의 시각화'라는 당시 전위 예술의 핵심 화두에 정면으로 도전했다. 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)가 '음악적 회화'를 이론화했다면, 소자-카르도주는 그것을 훨씬 더 육감적이고 폭발적인 방식으로 구현했다.

미술사적으로 이 작품은 유럽 아방가르드가 단일한 흐름이 아니라 다양한 국가와 개인들의 독자적 해석으로 풍요롭게 전개되었음을 증명하는 사례다. 포르투갈이라는 당시 미술 변방에서 파리 중심부의 최신 실험들을 흡수하고 독창적으로 재창조한 소자-카르도주의 존재는, 모더니즘의 지도를 다시 그려야 할 필요성을 환기시킨다.

음악이 보이는 순간

이 그림 앞에 서면 눈이 아니라 귀가 먼저 반응하는 것 같다. 노란 기타의 몸통이 공기를 울리고, 붉은 줄무늬가 리듬처럼 두드리며, 보랏빛 색면이 낮고 깊은 베이스처럼 화면 안쪽에서 울린다. 소자-카르도주는 소리를 그렸다. 악기의 외형이 아니라 그것이 만들어내는 진동과 생명력, 재즈 연주 직전의 긴장감과 폭발 직후의 잔향을 동시에 담아낸 것이다.

보는 이를 압도하는 것은 색채의 자신감이다. 주저함이 없다. 모든 색이 자기 자리를 당당히 차지하며 서로 맞서고 또 어울린다. 이 그림이 주는 감정은 기쁨인데, 마냥 가벼운 기쁨이 아니라 무언가 벅차고 복잡한, 삶이 충만할 때 느끼는 그런 기쁨이다.

스페인 독감이 앗아간 천재 — 요절의 비극과 그 상실

소자-카르도주는 1918년 10월, 31세의 나이로 생을 마감했다. 사인은 스페인 독감(1918 인플루엔자 팬데믹)이었다. 그해 전 세계를 휩쓴 스페인 독감은 무려 5천만 명 이상의 목숨을 앗아갔으며, 소자-카르도주도 그 희생자 중 한 명이었다. 그의 아내 루시 페스체 드 브로퀴(Lucie Pecetto de Brouqui)도 같은 해 독감으로 사망해, 두 사람은 함께 젊음을 마쳤다.

그가 31세에 남긴 작품들이 이미 이처럼 성숙하고 독창적이었다는 사실은 그의 요절이 얼마나 큰 손실이었는지를 역설적으로 보여준다. 그가 살아 40~50대의 원숙기를 누렸다면 어떠했을까. 미술사가들은 그가 입체주의와 표현주의, 추상미술을 넘나드는 독자적 언어를 더욱 심화시켰을 것이라고 입을 모은다.

피카소가 종합적 입체주의로 나아간 1920~30년대, 소자-카르도주는 아마도 색채와 리듬을 중심에 놓은 전혀 다른 경로의 모더니즘을 개척했을 가능성이 높다. 나아가 제2차 세계대전 이후 등장하는 추상표현주의나 앵포르멜 운동에도 선구적 영향을 미쳤을 것이라는 평가도 있다. 유럽 중심의 모더니즘 서사에 이베리아 반도의 목소리를 강하게 새겨 넣었을 그의 존재감은, 그것이 부재하기에 오히려 더 크게 상상된다.

경매 시장에서 재발견된 포르투갈의 거장

소자-카르도주의 작품들은 포르투갈 국립현대미술관(Museu Nacional de Arte Contemporânea) 및 구겐하임 포르투갈 재단 등에 주요 소장처를 두고 있다. 2016년 포르투갈 정부는 그의 탄생 130주년을 맞아 대규모 회고전을 개최하며 국가적 차원의 재평가에 나섰고, 뉴욕 메트로폴리탄 미술관(The Metropolitan Museum of Art)도 같은 해 대규모 회고전을 열어 국제적 주목을 받았다.

경매 시장에서 소자-카르도주는 포르투갈 미술 작품 중 최고가 기록을 보유하고 있다. 2016년 리스본 경매에서 그의 작품이 약 280만 유로(한화 약 48억원)에 낙찰되며 포르투갈 미술 사상 최고가를 경신했고, 이후에도 그의 주요 작품들은 수십만에서 수백만 유로 사이에서 거래되고 있다. 국제 시장에서도 20세기 초 유럽 아방가르드 작가로서의 위상이 점차 확립되며 가격 상승세는 지속되는 추세다.

한때 피카소의 그늘에 가려 잊혔던 이름, 아마데우 드 소자-카르도주. 그는 이제 유럽 모더니즘의 정당한 일원으로, 그리고 포르투갈이 세계 미술사에 기여한 가장 빛나는 이름으로 재조명받고 있다.

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