[K라이프저니|고요비 기자] 피에르 퓌비 드 샤반(Pierre Puvis de Chavannes, 1824~1898)은 19세기 프랑스 미술사에서 가장 독특한 위치를 점하는 화가다. 인상주의가 파리 화단을 뒤흔들던 시대에 그는 홀로 다른 길을 걸었다. 빛의 순간적 포착도, 격렬한 붓질도 아닌— 고요하고 탈색된 색채, 기념비적 평면성, 그리고 시간을 초월한 정적(靜寂)이 그의 언어였다.

리옹의 유복한 부르주아 가정에서 태어난 그는 파리 에콜 데 보자르에서 수학하며 앙리 셰페르, 들라크루아의 영향을 받았지만, 결국 누구와도 닮지 않은 자신만의 양식에 도달했다. 파리 판테온, 파리 시청사, 소르본 대학, 보스턴 공공도서관의 대형 벽화를 완성한 그는 살아 있는 동안 이미 프랑스 공공미술의 최고 권위자로 인정받았다.

미술사적으로 그는 상징주의(Symbolism)와 아르누보의 교량 역할을 한 인물로 평가된다. 고전적 형식과 근대적 감수성 사이 어딘가에 그의 그림이 서 있다.

말을 잃은 풍경 

'가난한 어부(The Poor Fisherman)'(1881, 유채, 155.5×192.5cm)는 현재 파리 오르세 미술관이 소장한 퓌비 드 샤반의 대표작이자 그의 예술적 본질을 가장 선명하게 드러내는 작품이다.

색채는 의도적으로 소진되어 있다. 흙빛 갈색, 회녹색, 탁한 크림— 이 그림에는 화려함이 없다. 하늘과 강, 땅의 경계가 모두 같은 채도로 수렴하며 세계 전체가 하나의 무거운 정적 속에 가라앉은 듯하다. 이 탈색된 색조는 사실적 묘사가 아니라 감정적 상태의 시각화다.

화면 왼쪽 중앙, 낡은 목선(木船) 위에 어부가 서 있다. 팔짱을 낀 채 시선은 아래를 향하고 있다— 체념인지, 기도인지, 그저 기다림인지. 배에는 낚싯줄만 드리워져 있고 어획물은 보이지 않는다. 오른쪽 배경에는 여인이 무릎을 꿇고 들꽃을 줍고 있고, 그 곁에 어린아이가 풀밭에 누워 있다. 가족임이 분명하지만 세 사람은 서로 단절되어 있다. 어부는 강을, 여인은 땅을, 아이는 하늘을 향해 각자의 세계에 있다.

퓌비 드 샤반은 이 장면을 서사 없이 제시한다. 사건이 없다. 극적 긴장이 없다. 오직 존재의 무게만이 있을 뿐이다.

가난의 존엄 

이 작품이 처음 살롱에 출품되었을 때 비평계의 반응은 엇갈렸다. 지나치게 단조롭고 미완성처럼 보인다는 혹평도 있었다. 그러나 시간이 지나면서 '가난한 어부'는 19세기 후반 프랑스 회화가 도달한 가장 심오한 성취 중 하나로 재평가되었다.

이 그림의 가치는 무엇을 그리지 않았느냐에 있다. 빈곤을 고발하지 않는다. 동정을 유발하려 하지 않는다. 어부는 비참하지 않다— 그는 그저 존재한다, 묵묵히. 이 절제가 오히려 인간 존엄의 가장 강렬한 표현이 된다.

또한 이 작품은 종교적 도상과 세속적 현실 사이의 경계를 의도적으로 흐린다. 팔짱을 낀 어부의 자세와 하강하는 시선은 기도하는 인물을 연상시키고, 들꽃을 줍는 여인과 풀밭의 아이는 성모와 아기 예수를 암시한다는 해석이 존재한다. 성스러움이 가장 세속적인 가난 속에 깃들어 있다는 역설— 그것이 이 그림이 100년 넘게 감상자를 붙드는 이유다.

강가에서 오는 시 

이 그림 앞에 서면 소리가 사라진다.

물소리도, 바람 소리도 들리지 않는다. 아이의 울음도, 여인의 말소리도 없다. 세계가 숨을 참고 있는 것 같다. 어부는 무언가를 기다리고 있는데— 물고기를? 내일을? 아니면 아무것도 기다리지 않는 것인지도 모른다. 기다림이 삶 자체가 되어버린 사람의 침묵.

배는 강에 묶여 있고 어부도 그 배처럼 자신의 운명에 묶여 있다. 그러나 그는 쓰러지지 않았다. 서 있다. 그 직립이 이 그림의 전부다. 굽히지 않되 부서지지도 않은, 인간의 가장 조용한 저항.

들꽃은 왜 피어 있는가. 그 노란 작은 꽃들이 이 탁한 세계 안에서 유일하게 살아있는 색이다. 가난 안에도 꽃은 핀다— 퓌비 드 샤반은 그 사실을 고요하게, 그러나 단호하게 말하고 있다.

샤반의 유산

퓌비 드 샤반이 현대 회화에 미친 영향은 직접적이면서도 광범위하다. 폴 고갱은 그의 평면적 색면 처리와 원시적 단순성에서 자신의 타히티 회화의 단초를 찾았다고 밝혔다. 조르주 쇠라의 점묘주의가 인상주의에서 거리를 두고 기념비적 구성을 추구할 때도 샤반의 정적인 화면이 하나의 모델이 되었다.

20세기로 넘어오면 그 영향은 더욱 분명해진다. 앙리 마티스는 샤반의 색채 절제와 장식적 평면성을 흡수해 자신의 '순수 색채' 실험으로 발전시켰다. 파블로 피카소의 이른바 '청색 시대(1901~1904)'— 고독하고 침묵하는 인물들이 단색 배경 위에 존재하는 그 시기— 는 퓌비 드 샤반 없이는 설명되지 않는다는 것이 미술사가들의 공통된 견해다.

나아가 그의 공공 벽화 방법론은 20세기 초 멕시코 벽화운동(디에고 리베라, 호세 클레멘테 오로스코)과 미국 WPA 뮤럴 프로젝트에도 이론적·시각적 선례를 제공했다.

경매 시장에서의 퓌비 드 샤반

오르세 미술관 소장의 '가난한 어부'를 비롯한 그의 주요 작품들은 대부분 공공 기관에 소장되어 있어 국제 경매 시장에 등장하는 빈도는 높지 않다. 그러나 드로잉, 습작, 소품 유화가 간헐적으로 크리스티와 소더비에 출품될 때마다 상당한 가격을 기록한다.

근래 국제 경매 기록을 보면, 그의 완성도 높은 유화 소품은 50만 달러에서 200만 달러(한화 약 7억~27억 원) 수준에서 낙찰되는 사례가 있으며, 종이 위 과슈나 데생 작품은 수만 달러에서 수십만 달러 사이에서 거래된다. 벽화 습작이나 패널 작품은 희소성으로 인해 추정가를 크게 상회하는 낙찰가를 기록하기도 한다.

시장 전문가들은 퓌비 드 샤반이 인상주의 주류 화가들에 비해 상대적으로 저평가된 측면이 있다고 분석한다. 상징주의와 벽화라는 장르적 특수성 때문에 개인 컬렉터보다 미술관 소장 비중이 압도적으로 높고, 그로 인해 유통 물량 자체가 희소하다. 역설적으로 이 희소성이 시장 가치를 안정적으로 유지시키는 요인으로 작용한다는 평가다.

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