유진 오먼디가 지휘한 시벨리우스의 2번과 7번 교향곡

[K라이프저니|고요비 기자] 소니 클래시컬의 '에센셜 클래식스(Essential Classics)' 시리즈로 발매된 이 음반은 유진 오먼디(Eugene Ormandy, 1899~1985)가 필라델피아 오케스트라(Philadelphia Orchestra)를 이끌고 1958~61년 사이에 녹음한 장 시벨리우스(Jean Sibelius, 1865~1957)의 교향곡 2번 D장조 Op.43과 7번 C장조 Op.105를 한 장에 담은 음반이다. 

'황금 시대' 아날로그 녹음의 정수

이 음반이 갖는 가장 큰 가치는 무엇보다 오먼디-필라델피아 콤비가 전성기를 구가하던 1950년대 후반~1960년대 초반, 이른바 아날로그 녹음의 '황금 시대'에 포착된 실연(實演)에 가장 가까운 사운드에 있다. 당시 컬럼비아 레코드(이후 CBS, 소니 뮤직으로 이어지는)와 오먼디-필라델피아의 협업은 기술적으로나 예술적으로나 미국 오케스트라 녹음의 최고봉을 형성하고 있었다.

소니 에센셜 클래식스 시리즈는 1990년대 중반 소니 클래시컬이 자사 컬럼비아 카탈로그의 명연을 중저가로 재발매하며 전 세계 클래식 애호가들에게 폭넓은 접근성을 제공한 기획이다. 이 음반은 그 중에서도 오먼디의 시벨리우스 해석을 대표하는 타이틀로, 시벨리우스 교향곡 전집 디스코그래피 어디에서도 빠지지 않는 기준 음반(reference recording)으로 자리매김해 있다. 커버 페인팅은 핀란드 출신 화가 알베르트 에델펠트(Albert Edelfelt, 1854~1905)의 작품을 사용했으며, 헬싱키 아테네움 미술관(Ateneum Taidemuseo) 소장품이다.

오먼디와 필라델피아 오케스트라…'벨벳 사운드'로 빚어낸 시벨리우스

유진 오먼디는 헝가리 부다페스트 출신으로 바이올리니스트로 경력을 시작해 지휘자로 전향, 1936년부터 1980년까지 무려 44년간 필라델피아 오케스트라의 음악감독을 역임했다. 그가 레오폴트 스토코프스키로부터 물려받아 더욱 정교하게 다듬은 필라델피아 사운드, 이른바 '벨벳 사운드(Velvet Sound)'는 현악부의 풍부하고 윤기 있는 레가토, 금관의 당당하고 탄탄한 울림, 목관의 섬세한 음색 조절이 삼위일체를 이루는 것으로 정평이 났다.

오먼디의 시벨리우스 해석은 북구(北歐)의 거칠고 황량한 자연주의적 접근과는 다소 거리가 있다. 그는 시벨리우스의 음악을 대형 낭만주의 오케스트라의 어법으로 재해석해, 풍요롭고 선율적인 흐름을 강조하는 방식을 택했다. 이로 인해 일부 비평가들은 '지나치게 미국화된 시벨리우스'라는 평을 내리기도 했지만, 반대로 이 접근이 시벨리우스 음악의 서정적 측면을 가장 설득력 있게 끌어낸다는 평가도 강하게 공존한다. 특히 교향곡 2번의 느린 2악장(Tempo Andante, ma rubato)에서 필라델피아 현악부가 빚어내는 칸타빌레는 타 연주와 뚜렷이 구별되는 오먼디 특유의 미덕으로 꼽힌다.

시벨리우스…민족주의와 모더니즘 사이에 선 교향악의 거인

장 시벨리우스(Jean Sibelius, 1865~1957)는 핀란드가 낳은 가장 위대한 작곡가로, 20세기 교향곡의 역사를 독자적 궤도로 이끈 인물이다. 그는 브람스·바그너의 독일 낭만주의 전통을 계승하면서도, 핀란드의 자연과 민족 신화에서 길어 올린 독자적 음악 언어를 구축했다. 말러, 리하르트 슈트라우스와 동시대를 살았지만, 그들과는 전혀 다른 방향으로 교향악의 가능성을 탐색했으며, 특히 주제 발전(thematic development)보다는 유기적 생성(organic growth)의 원리를 교향곡 형식에 적용한 것이 그의 가장 독창적인 기여로 평가된다.

시벨리우스는 7개의 교향곡을 완성했으며, 이후 제8번을 구상했으나 결국 출판하지 않고 원고를 소각한 것으로 알려져 있다. 그의 음악은 제1차 세계대전 직후 영미권에서 폭발적 인기를 얻었고, 특히 영국에서는 한때 베토벤에 비견되는 교향악의 거장으로 추앙받았다. 그러나 이후 아도르노를 비롯한 유럽 전위 비평가들의 혹독한 공격을 받기도 했으며, 20세기 후반부터 다시 공정한 재평가가 이루어지고 있다.

교향곡 2번 D장조 Op.43…민족적 열망과 자연의 서정이 빚어낸 대서사

교향곡 2번은 1902년 3월 8일 헬싱키에서 시벨리우스 자신의 지휘로 초연됐다. 당시 핀란드는 러시아 제국의 지배 하에서 민족 자결을 향한 열망이 들끓던 시기였다. 이 작품이 초연 직후 핀란드 독립운동의 상징적 음악으로 받아들여진 것은 이런 시대적 배경 때문이었다. 청중은 피날레의 장대한 D장조 승리의 선율에서 제국의 압제에 맞서는 핀란드 민족의 의지를 읽었고, 시벨리우스는 매 공연마다 기립박수를 받았다.

그러나 시벨리우스 자신은 이 작품의 정치적 해석을 공개적으로 인정하거나 부정하지 않았다. 그는 이 교향곡을 이탈리아 라팔로(Rapallo) 체류 중 구상했으며, 당시 단테의 신곡과 핀란드 신화를 동시에 탐독하고 있었다. 음악 구조적으로는 4악장 형식을 유지하면서도, 작은 동기(motif)들이 점차 유기적으로 자라나 거대한 선율 흐름을 형성하는 시벨리우스 특유의 '세포 분열형 주제 발전'을 처음으로 완숙하게 구현한 작품으로 평가된다.

교향곡 7번 C장조 Op.105…단악장에 우주를 담다

교향곡 7번은 시벨리우스의 교향곡 중 가장 독창적인 형식 실험의 산물이다. 1924년 3월 24일 스톡홀름에서 초연된 이 작품은 단악장(單樂章) 구조로, 22분 31초(이 음반 기준)의 시간 안에 느린 서두(Adagio)에서 출발해 여러 템포 변화—비바치시모, 알레그로 몰토 모데라토, 알레그로 모데라토, 프레스토, 다시 아다지오, 라르가멘테 몰토, 아페투오소—를 경유하며 하나의 거대한 건축적 호를 완성한다.

이 작품의 착상은 오랜 침잠(沈潛)의 산물이었다. 시벨리우스는 6번 교향곡(1923)에 이어 거의 동시에 구상을 진행했으며, 완성까지 수년간의 고뇌가 반영됐다. 그는 7번의 핵심을 C장조라는 조성에 두었는데, 이 C장조는 단순한 조성이 아닌 우주적 안정감과 마침내 도달한 평화의 상징으로 기능한다. 작품 전체를 관통하는 트롬본의 장대한 솔로 주제는 음악사에서 가장 강렬한 주제 중 하나로 꼽히며, 이 주제가 서두와 말미에 C장조로 귀환할 때의 감동은 단순히 음악적 쾌감을 넘어 존재의 본원(本源)으로 돌아오는 듯한 형이상학적 충격을 준다. 시벨리우스가 이 작품 이후 사실상 창작을 멈추었다는 사실은, 7번이 그의 예술적 언어가 도달할 수 있는 최대치였음을 암시한다.

"오먼디의 시벨리우스는 여전히 기준점"

오먼디의 시벨리우스 2번은 오랫동안 영미권 클래식 평론의 기준 연주로 대접받아 왔다. 영국의 권위 있는 음반 전문지 그라모폰(Gramophone)은 이 음반을 수 차례 에디터스 초이스(Editor's Choice) 및 추천 음반으로 선정했으며, "오먼디의 2번은 이 작품이 가진 서정적 온기와 극적 추진력을 가장 자연스럽게 융합시킨 연주"라는 평을 남겼다. 미국 음반 평론지 스테레오 리뷰(Stereo Review)도 "필라델피아의 현악부가 2악장에서 빚어내는 칸타빌레는 다른 어떤 오케스트라도 흉내 내기 어려운 고유의 미덕"이라고 평했다.

7번에 대해서는 평가가 더욱 높다. 저명한 음악학자 로버트 레이턴(Robert Layton)은 "오먼디의 7번은 이 작품의 건축적 긴장감과 조성적 필연성을 가장 설득력 있게 구현한 연주 중 하나"라고 밝혔다. 다만 일부 북유럽 출신 비평가들은 "오먼디의 해석이 지나치게 낭만주의적이며, 시벨리우스 음악의 원시적 엄격함이 희석됐다"는 반론을 제기하기도 한다. 그러나 이 논쟁 자체가 오먼디 해석의 개성과 일관된 철학을 방증하는 것으로, 시벨리우스 디스코그래피에서 이 음반의 지위는 반세기를 넘어 흔들리지 않고 있다.

이 음반은 소니 에센셜 클래식스 시리즈의 대표 타이틀 중의 하나다. 영미권 주요 음반 가이드에 지속적으로 수록되고 있다. 시벨리우스 교향곡 입문자에게 가장 먼저 권장되는 음반이자, 컬렉터들이 오먼디 레거시의 핵심으로 꼽는 타이틀이다.

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