[K라이프저니|고요비 기자] 1863년 봄, 프랑스 남서부 샤랑트-마리팀 주의 소도시 상트에서 한 여자아이가 태어났다.

그녀의 집안은 범상치 않았다. 코냑 명가(名家) 헤네시(Hennessy)의 공동 창업자이자 코냑 시장을 역임한 새뮤얼 튀르네르의 후손이었고, 부친은 의사이자 역사학자였다. 영국계 혈통과 프랑스 부르주아 교양이 한 몸에 흐르는 환경 속에서, 마리-마르그리트 튀르네르(Marie-Marguerite Turner, 1863~1936)는 일찍부터 예술적 감수성을 키워 나갔다.

파리로 나온 그녀는 19세기 프랑스 화단의 중심부를 관통한 두 스승을 만났다. 한 명은 오페라 가르니에 천장화와 성당 벽화로 명성을 떨친 펠릭스-조제프 바리아스(Félix-Joseph Barrias)였고, 다른 한 명은 파리 빈민가의 아이들과 서커스 단원들을 사실주의적 시선으로 화폭에 담아낸 페르낭 펠레즈(Fernand Pelez)였다. 고전적 엄격함과 사회적 자연주의라는 두 축이 그녀의 예술 언어를 형성했다.

튀르네르가 마음속 깊이 흠모한 화가는 홀바인과 앵그르였다. 그녀는 "홀바인의 경탄스러운 데생의 위대함과 앵그르의 놀라운 스케치의 매력은, 내 눈에 '형태' 그 자체만으로 충분하며 그것이 곧 유혹 자체다. 예술은 바로 거기에 있다"고 직접 고백한 바 있다. 화려한 색채보다 순결한 선묘(線描)를 신봉한 화가 — 그 철학은 이후 그녀의 작품 전체를 관통하는 정신적 뼈대가 되었다.

살롱의 여성, 시대와 맞서다

19세기 후반 프랑스 미술계는 여성 화가들에게 극히 협소한 공간만을 허용했다. 역사화는 남성의 영역으로 굳게 닫혀 있었고, 정식 누드 수업 참여 역시 제도적으로 금지되어 있었다. 여성 화가는 정물화나 풍속화 같은 이른바 '하위 장르'에 머물도록 암묵적으로 강요받았다. 당대 비평가들이 냉소적으로 '보이지 않는 군대'라 불렀던 여성 화가 집단의 존재는, 미술사의 본문이 아니라 각주에만 기록되었다.

그 벽 앞에서 튀르네르는 두 개의 무대를 동시에 공략했다. 그녀는 1886년부터 1907년까지 살롱 데 자르티스트 프랑세(Salon des artistes français)에 꾸준히 출품했으며, 1894년에는 정회원 자격을 획득했다. 1887년에는 파스텔 초상화 부문에서 은메달을 수상하며 비평가들의 주목을 끌었다. 동시에 그녀는 여성화가조각가연합(Union des femmes peintres et sculpteurs) 살롱에도 참가하며 여성 예술가 연대의 한 축을 담당했다. 1892년에는 파스텔 작품 '아네모네를 든 피에로'가 비평계에서 강렬한 인상을 남겼다는 기록도 전해진다.

1893년, 그녀의 이름은 대서양을 건넜다. 시카고 만국박람회 여성관(Women's Building)에 참가하는 프랑스 여성 예술가 대표단에 선발되어, 루이즈 아베마, 마들렌 르메르 같은 당대 저명 여성 화가들과 어깨를 나란히 했다. 파리 화단의 중심부에서 공식적으로 인정받은 화가, 그것이 1890년대 마리-마르그리트 튀르네르의 초상이었다.

파스텔로 빚은 살결 

'안락의자에 앉은 누드(Nu assis dans un fauteuil)'(1891)는 가로 79.5cm, 세로 98cm의 캔버스에 파스텔로 완성된 작품이다. 이 작품은 튀르네르가 살롱 활동의 전성기에 도달했던 시기에 탄생한 역작으로, 그녀의 예술적 역량이 가장 선명하게 집약된 성취로 꼽힌다.

화면 속 젊은 여성은 안락의자에 비스듬히 기대어 앉아 있다. 갈색 머리카락은 위로 올려 묶였고, 그 사이에 청색과 황색 들꽃이 꽂혀 있다. 손에도 같은 꽃 묶음이 느슨하게 쥐어져 있다. 시선은 조용히 아래를 향하고, 표정은 내밀하고 자족적이다. 어깨에서 흘러내린 회색 천은 인체의 윤곽을 가리기보다 부드럽게 따라가며 화면 전체에 가벼운 선율을 더한다.

파스텔이라는 재료는 이 작품에서 결정적인 역할을 수행한다. 파스텔 특유의 분질(粉質)은 유화의 단단한 마티에르 대신 피부 본래의 체온을 직접 전달하는 촉각적 환상을 만들어낸다. 밝은 부분은 부서지는 빛처럼 경쾌하고, 음영부는 어둠 속으로 급격히 떨어지지 않고 자연스럽게 스며든다. 갈색과 황토색이 겹쳐진 배경의 스케치풍 터치는 무대 장치처럼 인물의 살빛을 떠올리게 하며, 정교한 완성도와 자유로운 필치 사이 어딘가에 그림을 위치시킨다.

그녀가 추구한 홀바인의 선명한 선묘, 앵그르의 순결한 조형성, 그리고 펠레즈로부터 계승한 자연주의적 사실성이 파스텔이라는 매체 위에서 한 몸이 된 결과물 — 이 작품은 그 종합의 증거다.

여성이 그린 여성의 몸 

이 작품이 지니는 가장 본질적인 가치는 주제의 희소성에 있다. 19세기 누드화의 압도적 다수는 남성 화가가 여성의 몸을 응시하고 이상화한 결과물이었다. 그 시선에는 타자화와 신화화가 구조적으로 내재되어 있었다. 에두아르 마네의 '올랭피아'가 관람자를 정면으로 응시하는 방식으로 그 구조를 폭로했다면, 르누아르의 누드들은 그 구조를 관능적 쾌감으로 봉합했다.

튀르네르의 작품은 그 어느 쪽과도 다르다. 화면 속 여성은 관람자를 향해 포즈를 취하거나 자신을 드러내려 하지 않는다. 그녀는 완전히 자기 자신의 시간 안에 있다. 이 내향성과 자족성은 화가 자신이 여성이라는 사실과 무관하지 않다. 대상과 화가 사이의 심리적 거리가 지워진 자리에, 공감과 내면성이 자연스럽게 스며들었다. 이것은 기술의 문제가 아니라 시선의 문제다.

또한 파스텔이라는 매체의 선택 자체가 미술사적으로 의미심장하다. 당시 여성 화가들은 대형 유화와 역사화 장르에서 체계적으로 배제되어 있었다. 파스텔은 그 제도적 벽 안에서 여성들이 접근 가능한 몇 안 되는 고급 매체 중 하나였다. 튀르네르는 그 한계 안에서 매체의 가능성을 한계까지 밀어붙였다. 제약이 오히려 집중을 낳은 역설적 성취다.

꽃을 쥔 손의 무게

이 그림 앞에 서면 소음이 멎는다. 어떤 극적인 순간도, 어떤 서사적 긴장감도 없다. 여성은 그저 혼자, 꽃을 손에 쥔 채 앉아 있다. 머리 위의 청색 꽃과 손 안의 황색 꽃은 화면 안에서 서로 조용히 호응하며 시각적 운율을 만든다. 이 꽃들이 장신구인지, 방금 들판에서 꺾어온 것인지, 아니면 금세 시들 덧없음의 상징인지 — 화가는 대답하지 않는다. 그 열린 침묵이 작품을 살아있게 한다.

파스텔의 표면은 따뜻하고 부드럽다. 마치 이 장면이 꿈속에서 스친 것처럼, 혹은 오래전 기억 속에서 떠오른 어느 오후의 한 순간처럼 느껴진다. 정확하지 않기 때문에 오히려 더 진실한 감각 — 그것이 파스텔이라는 재료가 이 주제에 가져다주는 마법이다. 보는 이는 자신도 모르게 목소리를 낮추게 된다. 이 그림은 시끄럽지 않다. 그리고 그렇기 때문에 오래 남는다.

시대를 가로지르는 유산 

마르그리트 튀르네르의 이름이 후대 특정 화가에게 직접적인 영향을 주었다는 문헌적 증거는 현재로서 확인되지 않는다. 그것은 그녀의 작품 대부분이 오랫동안 미술사의 본문이 아닌 각주에만 머물렀기 때문이다. 그러나 더 넓은 맥락에서 보면, 그녀가 속한 19세기 후반 프랑스 여성 화가 세대 전체가 현대 미술 담론의 지형을 바꾸는 데 결정적으로 기여했다.

1970~80년대 선구적 전시들이 여성 화가 재발굴의 물꼬를 텄고, 1990~2000년대 이후에는 루브르를 비롯한 세계 주요 미술관들이 여성 화가 작품의 재수용을 기관 차원의 의제로 본격화했다. 그 흐름 속에서, 살롱에서 공식 인정을 받았음에도 역사에서 지워진 화가들이 하나씩 복원되고 있다. 샹베리 미술관이 튀르네르의 1886년 작 '피아노 앞의 소녀'를 소장하고 있으며, 2016년 샤투의 뮈제 푸르네즈에서 개최된 '여성들! 회화의 침묵 1848~1914' 전시에 이 작품이 포함된 것은 그 흐름의 일환이다.

튀르네르가 보여준 '여성의 눈으로 본 여성의 몸'이라는 시각적 태도는, 오늘날 젠더와 시선의 관계를 정면으로 탐구하는 동시대 작가들의 문제의식과 놀랍도록 선명하게 공명한다. 그녀는 시대를 앞서간 것이 아니라, 시대가 그녀를 뒤늦게 따라오고 있는 것인지도 모른다.

'재발견 단계'의 잠재적 가치

마르그리트 튀르네르는 현재 미술 시장에서 전형적인 '재발견 단계'의 화가로 분류된다. 현재 공식적으로 확인된 작품 수가 극히 소수에 불과하다는 사실은, 희소성의 관점에서 잠재적 가치 상승 요인이 되는 동시에 안정적인 시장가 형성을 어렵게 만드는 변수이기도 하다.

그러나 시장의 흐름은 분명한 방향을 가리키고 있다. 지난 10여 년간 조앤 미첼, 세실리 브라운, 레오노라 캐링턴 등 여성 화가들의 경매 낙찰가가 수백만 달러에서 수천만 달러로 급등하며, 19세기 이후 여성 작가 전반에 대한 시장의 시선이 근본적으로 달라졌다. 살롱 출신의 아카데미즘 화가, 파스텔 인물화라는 장르, 19세기 프랑스라는 시대적 배경이 결합된 튀르네르의 작품은, 이 재평가 흐름의 직접적인 수혜 대상이 될 조건을 충분히 갖추고 있다.

수집가의 시각에서 보면, 튀르네르는 아직 가격이 충분히 형성되지 않은 희소 여성 화가이자, 19세기 프랑스 아카데미즘의 정통 훈련을 거쳐 파스텔 인물화의 높은 성취를 이루어낸 살롱 화가라는 이중의 매력을 지닌다. 미술사적 재조명과 시장의 재평가가 동시에 진행되고 있는 지금, 이 작품과의 조우는 단순한 감상의 기회를 넘어선 무언가일 수 있다.

이 작품은 파스텔로 그려졌지만, 보는 이의 마음에는 오래도록 유화처럼 남는다. 마리-마르그리트 튀르네르 — 그 이름을 이제는 기억해야 할 때다.

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